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2 de Mayo, 2009

LeerGratis.com - 7 new articles

Por loboveloz - 2 de Mayo, 2009, 17:59, Categoría: General

 

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"LeerGratis.com" - 7 new articles

  1. ‘Poeta Negro de Antonin Artaud’
  2. A las parcas de Holderlin
  3. ‘La excavación de Augusto Roa Bastos’
  4. Poema del Tao del Jeet Kune Do de Bruce Lee
  5. ‘Y de repente fue ayer’ de Boris Izaguirre
  6. ‘Marianela’, de Benito Pérez Galdós
  7. ‘Star Wars Republic 60 El origen de Assajj Ventress’, de Hadin Blackman
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‘Poeta Negro de Antonin Artaud’


Antonin Artaud (1896-1948) fue un poeta surrealista, amigo de Breton, actor y dramaturgo francés, sufrió los estragos de la depresión, situación que constató en su obra. En su poema ‘Poeta Negro‘ recrea una suerte de inestabilidad emocional del poeta ante la cotidianeidad de la ciudad, como una desazón al constatar que la realidad no obedece a sus parámetros idealizados. La oscuridad es el ethos del poeta negro, aquél que se margina del conformismo y es el primero en detestar la rutina.


Antonin Artaud

Antonin Artaud

En este breve poema, el poeta lucha por mantener su impulso vital, sueña con una doncella, se siente ajeno a la ebullición de la ciudad, la lluvia acrecienta su melancolía mientras escribe. Al final el poeta espera la respuesta de las mujeres, quienes ofrecen resistencia, mostrando su dureza. La oscuridad es la actitud vital de este poeta, quien persigue presentarse misterioso en sociedad, evitando ser decodificado por gente ajena al arte, esta tendencia lo vuelve hermético pero también le trae aislamiento.

La oscuridad: El sema de la negrura, no es racial, es una condición de misterio en el poeta, de sentirse aparte de la forma ordinaria del habla y aún de la interacción cotidiana con otras personas. Este poeta aspira a la realización de su Eros, de acuerdo a sus ideales, si ‘le obsesiona el seno de una doncella’, lo que llama su atención es un rasgo femenino, le gustan las mujeres más atractivas de lo normal, las tiene como meta, la doncella está por ser iniciada, por entrar a formar una historia con su primer amante.

El rasgo surrealista del poema está en la actualización de los sueños, junto a la vigilia, hay una frase curiosa, ‘los poetas montan sobre caballos, perros’, busca transgredir la normalidad, la norma canónica, pues en época de Artaud, la vanguardia y el surrealismo aún experimentaban con sus tópicos y contenidos. El poema se desplaza hacia lo onírico en versos de este tipo, se carga de la subjetividad del inconciente, lo grotesco como montar un perro, entra en la estética vanguardista, como ampliación del arte.


La desazón y recelo de la gente común que experimenta el poeta negro tiene su antecedente en el poema ‘el albatros‘ de Charles Baudelaire, donde unos marinos capturan a una de estas aves de alto vuelo solo por divertirse, pues sus enormes alas les impiden caminar bien en tierra firme. El poeta es un ser de una sensibilidad privilegiada, no puede convidar su esencia así nomás con gente no preparada para el arte, que lo único que haría sería burlarse u hostigarle, el poeta negro sabe de esta situación.

El escenario urbano: En estos poemas en pleno auge de la modernidad, la vanguardia exacerbó la conciencia de los cambios sociales, técnicos y culturales que surgían en esta época. La ciudad puede prestar ciertas comodidades al poeta como empleos letrados con los cuales subsistir para seguir con su oficio de literato, pero no siempre estos puestos de trabajo eran satisfactorios, pues estamos en una época en que aun los poetas de talento ganaban poco dinero, pues no había la promoción mediática de hoy.

Artaud

Artaud

La ciudad es escenario de actividad, para un poeta depresivo es chocante contrastar la felicidad del promedio versus su particular situación anímica. La acción cotidiana de la ciudad le es extraña y a veces embarazosa porque el está enfrascado en preocupaciones estéticas o en conseguir las mujeres más deseables, que no se encuentran así nomás. El poeta se siente amargo por la dificultad de comunicación con el mundo circundante, como si todo se masificara ante él sin poder llegar a los individuos que busca.

En la urbe muchos poetas se sintieron incomprendidos por la burguesía, estrato social que controlaba los medios de producción y los veía mal por dedicar su vida al arte y la actividad cultural. La ciudad se difumina a los ojos del poeta, quien la ve como una selva, donde hormiguean los ojos, de los que están pendientes de él, pues el poeta lleva la responsabilidad de mantener el arte, en un mundo moderno que está más pendiente de los aspectos económicos y del progreso material, y esto es lo cotidiano en la urbe.

Seguir como poeta: Ni el tedio ni la depresión quitan al poeta su forma de vida, él sigue componiendo y también marca las irregularidades que surgen entre sus ideales y el proceder de la sociedad. Este poeta lucha por mantenerse en la vida, por dibujarla en sus versos o aprehenderla en su mensaje, a pesar de que se sienta ofuscado por momentos de oscuridad, presión, soledad, nerviosismo, insatisfacción del deseo, o que constate poca viabilidad para el arte y que sean pocos los receptores de su obra.

Antonin Artaud

Antonin Artaud

Seguir como poeta es mantener el gusto por lo bello a pesar de la contingencia, no escapar sino enfrentar el tedio, pero esto desgasta, pues la monotonía aplasta, se hace necesaria bastante entereza pues nadie acompaña al poeta cuando reclama por algo que considera contraproducente para la ciudad y su vida diaria. El poeta no está solo para contestar, también para convidar a la masa a mirar el arte, como sueño de la vanguardia, se esperaba que el arte se hiciera el idioma universal, para superar odios y rencillas.

En este poema, el yo lírico se afirma en la contingencia de su ethos, no lo descree, es conciente de su difícil situación de desazón, pero espera cambiarla por sus metas idealizadas. En esa ciudad donde los elementos parecen estar en contra, pues arde de una actividad colectiva que el no comparte, y la lluvia solo acrecienta su nostalgia espera la respuesta de las mujeres que él ha seleccionado, para sentir la vida en su interior sin tener que arañarla por su falta de realización y de satisfacción.

Conclusión: La oscuridad es una actitud vital, es sabido que en la depresión se pierde el color de la vida. En la modernidad en plena ebullición de cambios sociales y económicos, el poeta negro siente que se le pasa la vida sin satisfacer sus deseos, muchos de los cuales están idealizados por el arte. Conciente de su difícil situación, se afirma en su ethos para intentar compartir el arte con la gente que resulte en empatía con él, mientras tanto describe el tedio por el escenario cotidiano insatisfactorio.

Imagen1: A media voz
Imagen2: Pagesperso
Imagen3: Voces de la francofonía



A las parcas de Holderlin


Friedrich Holderlin (Alemania, 1770-1843) dedicó un poema a las parcas por su afición a la mitología clásica. En el les pide a estas divinidades que le concedan un año más de vida, el plazo del verano al otoño en el hemisferio norte, para seguir componiendo poesía. Se muestra humilde ante el poder de las parcas y les ofrece no quejarse si lo envían al Orco o Hades, pues si vive el tiempo que pide podrá existir como los dioses, creando su arte, único anhelo suyo para morir tranquilo.


Friedrich Hoelderlin

Friedrich Hoelderlin

En este breve poema hay resignación ante la quebrantada salud del poeta, también declara un arte poética en donde vincula la vida al acto de crear en poesía. Al final del poema, valora la vida por ser compartida con los dioses, así no pueda crear más obras. Se refuerza el tópico de que la poesía es la vida y más aún de que el arte es para todo el periodo de existencia del artista. Shakespeare tuvo una frase sobre esto: “La vida tan corta y el arte tan largo de aprender.”

La vida en el arte: El artista siempre muestra su espíritu consecuente con el arte, el que nunca se subordina a los bienes materiales. Si un artista puede seguir creando poemas, obras, canciones, tiene de sobra para estar satisfecho. El arte es un fin en sí mismo y al recrear la vida por la mímesis lo que hace es celebrarla, disfrutarla aún en la adversidad. Las parcas dominan la vida y la muerte, en esta cosmovisión clásica, Holderlin reconoce sus fuentes de inspiración, los clásicos greco latinos.


Dentro del arte siempre hay capacidad de revisar y mejorar la obra escrita, como la literatura se retroalimenta de ella misma, es útil la lectura después de haber dispuesto la materia ficcional. La mención a los dioses es una forma de agradecer la inspiración poética, al menos en una vida que le permitió llegar a la ancianidad creando ficción, a pesar de su esquizofrenia. Un año más de vida sería estar más tiempo en el arte, sin perder ocasión de vivir para otros fines.

Holderlin quiere vivir más para que viva también la poesía, la equivalencia vida y poesía se sustenta en la mímesis y en toda la dedicación que un escritor da a su arte durante su línea de tiempo en la tierra. El sufrimiento es superado por los logros en el arte, el poeta aún postrado o en prisión puede seguir escribiendo, destinando todas sus fuerzas en su labor creativa. El arte es un dulce juego, que puede saciar el corazón del poeta una vez cumplidos sus proyectos.

Tübingen, Neckar, Hölderlintur

Tübingen, Neckar, Hölderlintur

La posibilidad de ganarle a la muerte: El poeta gana a la muerte logrando la fama inmortal, aún este en el Hades u Orco, Holderlin tendrá la seguridad de que sus poemas serán leídos más veces de las que el puede imaginar. Por eso saluda al mundo de las sombras, estas eran las almas de los muertos en el Hades, que guardaban la figura de los humanos que fueron en vida. Mientras el poeta viva puede contar con el apoyo de dioses como Apolo, es decir seguirá teniendo inspiración.

Siendo la poesía y el arte, actividad del espíritu, el artista tendrá esperanza en la vida del más allá. Las obras que acumule a su producción, servirán para darle continuidad en el canon de la literatura occidental. Hay algo del Carpe diem de Horacio, de querer aprovechar el último aliento de vida al máximo en actividades que produzcan gozo, así el placer estético es una gratificación que surge del ocio productivo, del resultado de realizar una actividad de por sí satisfactoria.

Conciente de la inminencia de la muerte, el poeta busca despedirse, resume su obra en canciones, en el acompañamiento de su lira. La vida equivale a su obra, por ello si sigue escribiendo seguirá viviendo. Solo pide un plazo para seguir escribiendo, no desafía a la muerte ni reniega de ella. El arte lo ha acondicionado para tomar la vida y su decaimiento con naturalidad. Holderlin logró su cometido de seguir viviendo en el arte, ya que él y Novalis fueron epígrafe de poemas de célebres autores jóvenes.

La despedida: El poeta se despide del mundo con dignidad, sólo clama para sí la continuidad en el arte. Los dioses inmortales simbolizan la perennidad de su obra en el mundo de la cultura. La despedida implica dejar de crear en el mudo material, pero supone una conciencia de continuar la vida intelectual en futuros poetas que trabajarán sobre sus textos y asimilarán su influencia. Por ello la muerte no es una fatalidad, la inmortalidad del autor está garantizada en el reconocimiento a su talento.

Holderlin

Holderlin

Holderlin siempre acudió a las fuentes clásicas, sus obras son lecturas de los mitos griegos, que han formado parte de la exégesis de estos textos canónicos. Seguro de vivir un poco más, siente que tiene un poder que imita a los dioses del Olimpo para seguir en el arte. Holderlin tuvo influencia de la filosofía clásica, por lo que descubrió el valor del arte como fin en sí mismo, incapaz de ser subordinado a fines egoístas. Por la forma lírica de sus poemas buscó patentar las imágenes del mundo helénico.

De su cosmovisión clásica queda el afán por buscar la trascendencia, la cual está lograda por sus conocimientos filosóficos puestos de relieve en su poesía. Del romanticismo que también siguió queda la creencia en el poeta como vidente de verdades que provienen de regiones como el Hades o el Olimpo. Como todo poeta logrado, su obra trasciende los límites y pautas de un movimiento literario, se hace universal, válido en todo tiempo para estudio y lectura.

Conclusión: Holderlin vivió influenciado por la cosmovisión helénica. De este mundo clásico revaloró la necesidad de trascender en la historia de la literatura, alcanzar nombre inmortal y tener calma ante la inminencia de la muerte. Holderlin se despide del mundo buscando que las parcas le concedan un año de gracia para seguir escribiendo y gozar de la vida que en tanto actividad creadora, emula la de los dioses clásicos.

Imagen Friedrich Hoelderlin: APPER en Wikipedia
Imagen Tübingen, Neckar, Hölderlintur: Hedwing Storch en Wikipedia
Imagen Holderlin: Vask en Wikimedia



‘La excavación de Augusto Roa Bastos’


Augusto Roa Bastos (1917-2005) escritor paraguayo, nos ofrece un cuento de guerra, político y de fracaso de un reo, Perucho Rodi, en su relato La excavación. Este personaje es un sobreviviente paraguayo de la guerra del Chaco entre Paraguay y Bolivia, excava un túnel en una celda, pero muere sepultado por un deslizamiento de tierra, mientras recuerda que en la guerra mató 89 bolivianos y se da cuenta que nunca volverá a ser libre. Luego sus compañeros caen en una trampa mortal de los guardianes.


Augusto Roa Bastos

Augusto Roa Bastos

El túnel que excavó Perucho Rodi, sirvió de pretexto a la penitenciaría para desinformar a la opinión pública diciendo que los presos aniquilados habían escapado por ahí, la prensa se traga el embuste y no considera las manchas de sangre en la calle, donde murieron los reclusos. Este es un relato desencantado, reflejo de una condición de vida infrahumana, donde los presos están entre el hedor de sus excrecencias hacinados sin posibilidad de escapar, su única salida del tormento es la muerte violenta.

La celda: La prisión llamada Valle-i o celda 4 se vuelve a colmar después de la matanza de los reos prófugos, cumple un ciclo funesto. En ella los reclusos viven como en un hormiguero, pero solo Rodi es el apasionado con la idea del túnel. Están dejando de orinar en un barril para usarlo de pala y el hedor los tiene enfermos. La celda se comunica a la ribera de un río a su espalda, pero nunca se termina por la caída de la tierra sobre el excavador Perucho, quien muere asfixiado recordando la guerra.

La pestilencia, el hacinamiento y la porquería en el escenario de esta celda parecen tomados de algún círculo del infierno de la Divina Comedia de Dante Alighieri. Los reos están cosificados, ya no sienten la vitalidad de la vida, toda su esperanza es el túnel para escapar a la libertad. La celda marca la historia de un fracaso y una celada a los presos, con la implantación de la versión oficial del gobierno, la condena a los presos como amotinados y la tergiversación de la verdad ante la opinión pública.


La celda es el micro cosmos de los perdedores, los que ya no pertenecen al bando de la normalidad o del deber ser, los presos son los indeseables de la sociedad, los que constituyen el problema de la sociedad, no su solución. En un estado totalitario los presos son eliminados, ya que no hay supervisión del respeto de los derechos humanos. Se les extermina solo por ensayar un castigo, es como en el cuento La colonia penitenciaria de Franz Kafka, sólo que allí el mal se torna contra su creador, agente del sistema.

El túnel: El paso a través del túnel es una labor muy penosa, tanto como su excavación hecha con el borde afilado de un plato, este túnel representa el paso al más allá porque Perucho ve su vida en flashbacks al acercarse su final. Rodi no puede escapar de su pasado, le atormenta haber matado tanta gente en la guerra del Chaco, la que se entiende como un conflicto étnico entre blancos y cobrizos por como lo narra Roa Bastos, juzgando a los bolivianos como una raza de castigo por la diferencia de color.

Roa Bastos ilustrado por Ana Santoja

Roa Bastos ilustrado por Ana Santoja

El túnel comunica a Rodi con sus recuerdos, su etapa de soldado en que sirvió al bando oficial antes de estar confinado en la celda. El cuento no ahonda sobre el motivo de su prisión, solo se ve que experimenta la muerte como sanción por haber matado a varias personas  del bando boliviano durante la guerra.  Rodi se da tiempo para arrepentirse porque muere torturado por sus memorias las que lo reflejan cosificado matando a diestra y siniestra a los enemigos.

Cuando Rodi muere siente que su recuerdo del último hombre que mató se convierte en su misma persona, disparándole con un arma. Roa Bastos recurre al tópico de la competencia racial y cultural entre los pueblos sudamericanos cuyo odio se acentúa por la diferencia étnica ya que los paraguayos piensan en los bolivianos como inferiores. Esta rivalidad se conserva en los partidos de futbol entre ambas naciones lo que ha generado una cultura del odio, del desprecio y de la desconfianza mutua.

Las geminaciones del relato: las duplicaciones temáticas o geminaciones del cuento lo hacen más oscuro y complicado. Rodi es un paraguayo de cuarenta años que ha vivido dos guerras, la guerra del Chaco cuando era estudiante de ingeniería y la guerra civil, seis meses antes de su muerte. Existen dos túneles  que son el primero para matar a los enemigos bolivianos en el Chaco, y el segundo más precario, el túnel de la prisión que no llega a culminarse, cuando es preso político.

Roa Bastos con Jorge Luis Borges

Roa Bastos con Jorge Luis Borges

Los bloques de muertos son ochenta y nueve personas en ambos casos, en el Chaco de Bolivia los emboscados por Rodi y en la prisión de Paraguay el número de presos políticos incluyendo Rodi. Solo sobreviven unas horas a Rodi, diecisiete presos  políticos, hasta ser aniquilados por la policía con la trampa de la fuga. Este caso refiere al poco respeto a los derechos humanos en Latinoamérica,  por ejemplo Sábato lideró una comisión  para investigar los crímenes de Perón con presos políticos.

Las geminaciones abren y cierran un ciclo de situaciones repetidas en la imagen del túnel, el primero es el escenario de la culpa y el segundo el del castigo. Rodi siente que está predestinado a morir, ha estado en dos guerras sobreviviente y tuvo la impresión de ser aplastado en el primer túnel. Su muerte es accidental, no es premeditada como la de sus compañeros a manos de la policía. El otro ciclo es el del último hombre asesinado, el primero el boliviano y luego Rodi muerto en un túnel por su descuido.

Conclusión: Roa Bastos lleva a la ficción el referente de guerras entre países vecinos y guerras civiles en Latino América, como episodios infructuosos que no traen nada bueno para los participantes del conflicto. De esta forma, Rodi vive dos guerras y muere miserablemente, sin salir de la prisión, mientras sus compañeros son exterminados por oponerse al sistema de gobierno, matados por incómodos sin posibilidad de ver por sus derechos humanos.

Imágenes: Cervantes



Poema del Tao del Jeet Kune Do de Bruce Lee


Bruce Lee (1940-1973) fue conocido por revolucionar el mundo de las artes marciales creando su arte marcial Jeet Kune Do, que integraba 26 estilos de combate en una visión filosófica e intelectual del combate y el entrenamiento. Lee aparte de los libros de técnicas basados en sesiones fotográficas, publicó el Tao del Jeet Kune Do, de inspiración taoísta, libro que daba consejos para liberar el espíritu a la recepción de los diferentes estilos de lucha, su aprovechamiento y el dominio del yo.

El Tao del Jeet Kunedo

El Tao del Jeet Kunedo

Este libro está traducido al español por editorial Eyras, y los amantes de las artes marciales y la literatura tendrán una grata sorpresa al leer un poema de un monje taoísta recogido por Bruce Lee a manera de epígrafe de su obra. Este poema busca liberar el alma de todos los miedos que nos llevan al fracaso y hacernos concientes y partícipes de que somos individuos únicos y valiosos en el universo, que podemos canalizar el Chi o energía vital para superar la adversidad y vencer cualquier combate.

Liberándose de miedos: Siguiendo el Tao te King de Lao Tse, este poema muestra el camino para adentrarse en las artes marciales, superando las limitaciones de nuestro físico y aniquilando nuestros temores. Al igual que Basho, poeta y samurai retrató el espíritu del guerrero en dos haikus, este monje taoísta nos hace partícipes del estado de no conciencia para dejar ser, sin pensar, ni cuestionarnos a nosotros mismos. Guía al hombre a seguir el curso del universo y vencer la adversidad por el espíritu.

Los miedos están representados en la imagen de las garras del tigre, sin embargo su poder no afectaría al espíritu libre de emociones y temores. El miedo es el enemigo que paraliza el cuerpo y el espiritu, que entorpece la realización de las potencialidades del yo. Liberarse de los miedos es importante, pues su acumulación es una carga que conduce al fracaso. También los temores que frustran nuestros propósitos están representados en la imagen de nubes y brumas.


El poema enfatiza que sobre estas nubes y brumas del sufrimiento y la contingencia se puede alcanzar la iluminación, ya que la luna y el sol brillan eternamente traspasando la niebla. La luna como fuente de iluminación se refleja en un río, que es el fluir del conocimiento y de la aplicación de este en el combate. Esa visión no puede ser aprendida por la mano, pero la capta el ojo, que conduce las experiencias sensibles al aprendizaje, la iluminación busca captar lo inaprensible.

Lao Tse

Lao Tse

Fluir hacia la libertad: En los sesentas, época de aparición del libro, el mundo de las artes marciales estaba menos integrado, con rencillas entre maestros de los diferentes estilos de combate. Era poca la gente que como Bruce Lee dominaba varios artes y mucho menos aún los revolucionarios que aconsejaron a la comunidad marcialista practicar más de un arte marcial para tener éxito en el combate. Actualmente, la difusión de estos estilos es mayor y se enfatiza el cross training de disciplinas.

La libertad en este poema taoísta es un estado sin pensamiento, de vacuidad, la que será útil para ser llenada por nuestros conocimientos que aflorarán en un actuar espontáneo. En el combate, el practicante de artes marciales no debe estar sujeto a un pensamiento sobre sí mismo que lo haga dudar, debe estar fluyendo con la conciencia del origen de este principio, motor del universo. La libertad es un fluir del espíritu como la brisa, que siendo la misma tiene distintos sonidos en los pinos y robles. El individuo está por encima de todo patrón preconcebido, el se adapta al arte y viceversa.

De la igualdad de la naturaleza espiritual del ser humano, el poema rescata la diferencia de personalidades de cada espíritu. El hombre es más propenso a algunos estilos que a otros, de esta aproximación nace la riqueza de la enseñanza personalizada en las artes marciales. El arte es un medio para la liberación y realización del yo, comporta un acercamiento total, usando la reserva del espíritu para no cejar en el desafío de vencer la adversidad, el sufrimiento o superar cualquier combate.

La representación de la victoria: el fin de las artes marciales es vencer, implica la defensa de nuestra voluntad para no ser sojuzgados por ningún poder abusivo. En occidente, los caballeros medievales aprendían letras y armas para ser libres en el total sentido de la palabra. Este poema de autor desconocido, bien podría pasar como el primer manifiesto del Jeet Kune Do. No sólo las técnicas y el entrenamiento ayudan a vencer, sino la confianza y la autoestima que nos libera del miedo.

Sugiero al lector cotejar este poema en inglés y en español, en la versión disponible. El propósito de la victoria no es humillar a nadie, se persigue mantener la integridad del espíritu, que este esté libre de miedos para que aflore nuestro verdadero potencial. Para fines prácticos, Bruce Lee sintetizó en su Jeet Kune Do, los artes marciales más efectivos en el combate cuerpo a cuerpo, como el boxeo inglés, el jujitsu, el muay thai, el Kali esgrima filipino, el Wing Chun, entre otros.

Otra portada del libro

Otra portada del libro

La victoria supone liberación del espíritu, la permanencia en un estado que no entorpece la conciencia con el pensamiento que puede cuestionar nuestras capacidades. Debemos dejar ser lo que somos, libre y espontáneamente, este es el espíritu del arte marcial y de la poesía taoísta, que Bruce Lee fusionó como principio rector del Jeet Kune Do. Con este poema se demuestra que el arte marcial está vinculado a la literatura en su dimensión espiritual y la búsqueda de liberación de nuestro verdadero ser.

Conclusión: El camino del arte marcial requiere de unos principios que sean universales y lleven a la superación del sufrimiento, la adversidad y el egoísmo para liberar nuestro verdadero ser, alcanzar la victoria en el combate y la vida. El taoísmo persigue lograr la iluminación en toda faceta de la vida, logrando fluir en el arte junto a la energía del universo, sin obstaculizarnos por pensamientos de duda, sino manteniendo nuestra espontaneidad, entereza y un renovado valor espiritual.

Imagenes: Leer Gratis
Imagen Lao Tsé: Nyo en Wikipedia



‘Y de repente fue ayer’ de Boris Izaguirre


"Boris Izaguirre"

"Boris Izaguirre"

Boris Izaguirre (Caracas, Venezuela, 1965) es un periodista, conductor de shows de televisión, guionista de telenovelas y escritor de novelas, nacionalizado español. Izaguirre escribe en la revista Zero de perspectiva gay, que es la que asume y defiende, incluso su novela ‘Y de repente fue ayer’ tiene cierta caracterización bisexual y gay de sus personajes. Es una novela escrita para desmitificar la revolución cubana, juzgada como engaño por este escritor que confiesa jamás haber pisado suelo cubano, en su relato recién ha ganado la revolución.

En esta historia dos amigos gay, uno guapo y seductor Óvalo y otro desgarbado y con talento para la radio y telenovela Efraín Rotundo ven en crisis su mundo de bacanales con el triunfo de la revolución de Fidel Castro, personaje que se instalará de forma omnímoda en la conciencia colectiva, imponiendo un régimen de emergencia que cuestionará los desmanes a los que están acostumbrados. Un periodo de dictadura es actualizado negativo para todos, más aún para la gente que solo se ocupaba en fiestas, distracciones u orgías como Efraín y Óvalo.


Con la revolución la fiesta se vuelve resaca

"Y de repente fue ayer (2009)"

"Y de repente fue ayer (2009)"

Esta novela aparece el 2009 y actualmente sólo se puede descargar su primer capítulo, titulado Fiesta, en él, Efraín se encuentra en la resaca de una bacanal donde su amigo gringo Catire (que significa rubio en dialecto caribeño) acaba de cumplir con tres mujeres, las que dormitan desnudas en sus muebles, una de ellas Josefa o Josela se salva de morir ahogada cuando Efraín le extrae con los dedos un trozo de condón que tenía dentro de la boca. Catire es experto en preparar tragos que adormecen a sus mujeres y representa el enclave gringo  en Cuba.

Efraín recuerda a dos amigos que son los plus non ultra del amante para él, Óvalo y el negro prieto, ambos consumados mujeriegos, en el primer capítulo solo están enunciados y son un símbolo de la posibilidad de dedicarse a las bacanales en Cuba antes de Fidel Castro. El dictador es mencionado en la radio, porque recién acaba de ascender al mando, todo está en calma chicha, a punto de venir la tormenta que sería la etapa sin libertad de prensa, con ejecuciones y asilamiento internacional, a todo ello sucedería el desengaño de la revolución.

Hay una historia del auge de la radio novela en Cuba, que en el relato estará a cargo de Efraín, este género como la telenovela representa una válvula de escape a la dureza del régimen represor mediante la frivolidad. Lo que es interesante es que un escritor homosexual privilegia las telenovelas en su versión de la Cuba post revolución, pues Izaguirre ha sido guionista por muchos años, además hay rumores de que el propio Fidel Castro veía telenovelas latinoamericanas como las brasileñas de la red  O Globo, en sus momentos de descanso.

La mirada de otro sobre la revolución
Izaguirre es uno de los tantos venezolanos  que se exilian de su país por no tolerar el régimen de Hugo Chávez, quien llegó a formar un bloque de cooperación con Fidel Castro, Evo Morales y el presidente de Nicaragua. Por este motivo, el autor traslada su condena a Chávez hacia Castro, y aún más asume que desengañará a la generación de sus padres, quienes creyeron en la utopía cubana, de Fidel contra el gigante de Estados Unidos. La mirada del narrador corresponde a otro latinoamericano, que tiene a Cuba en su conciencia por historia.

Así como ‘Habana Flash’ de Xavier Alcalá esta novela busca desmitificar la revolución, pero el caso de Alcalá es de un español que entra a la ex provincia de ultramar para buscar el itinerario de su abuelo migrante gallego. Desde el punto de vista español, interesaría mucho cotejar la perspectiva de Alcalá frente a la de Izaguirre, a la luz de los estudios post coloniales de literatura. Alcalá ve al cubano como otro, mientras no tenga herencia gallega, pues a esa etnia fue a buscar a la isla, mientras Izaguirre es otro hispanoamericano que huye de la dictadura.

Izaguirre es otro de los latinos que se exilian de una realidad que acorta sus expectativas, su otredad se ahonda por ser un homosexual nacionalizado europeo, en cierta forma, viene de una minoría y su mirada condenatoria de Cuba, debería sopesarse con los logros que Cuba demostró en estos 50 años en el sector salud, educación y lauros deportivos en las olimpiadas a pesar del bloqueo económico que aún promueve Estados Unidos contra la isla, logrando que varios países que comercian con Estados Unidos no compran ni venden productos a Cuba.

"Fidel Castro y el Che Guevera"

"Fidel Castro y el Che Guevera"

La cosmovisión gay subyacente en la novela de Izaguirre
Izaguirre es un homosexual declarado, incluso no duda en mostrarse muy afectado y amanerado en televisión, llegando al extremo de realizar insultos a artistas españoles por lo que el considera defectos físicos, como el caso de Rocío Jurado. En la visión de un gay no entran moderaciones al freno de lo que puede ser una orgía, simplemente la consuman para dejar a su ego hacerse visible y permitirse ser ellos mismos. Ya nacionalizado europeo, este escritor pretende tomar un aire cosmopolita frente a Cuba, con el pretexto de su novela.

Viendo su prosa, parece extraño que sea finalista al premio Planeta, pues un escritor tiene una vida pública que presentar si no virtuosa al menos decorosa. Izaguirre abusó de la libertad de la televisión para desmandarse en forma grotesca, pues aflora su conciencia gay en su vida y en su relato. Su narrativa no es prodigiosa, es como leer a un autor de bestsellers, solo que el mundo está en una época en que hace memoria de varias dictaduras y el testimonio que puede tener Izaguirre de gente de la época de la revolución cubana genera expectativas.

Conclusión
En una época en que se publican nuevas novelas sobre dictadores a nivel mundial, surge esta novela sobre la Cuba de Fidel Castro. Lo que se ha buscado es hacer memoria desde la ficción o aún desde el libro de viajes como el caso de ‘Habana Flash’ de Xavier Alcalá. Izaguirre mantiene una revolución gay paralela a la revolución cubana, como expresión de la cultura homosexual en los guionistas de radionovelas  y telenovelas, representados en Efraín Rotundo, personaje de su relato.

Lectura del primer capítulo | ‘Y de repente fue ayer’ de Boris Izaguirre en Borisizaguirre.net

Imágenes:

Boris Izaguirre: Mutari en Wikipedia

Y de repente fue ayer: Boris Izaguirre en Flickr

Fidel y el che: Pan-Africannewwirefilephotos en Flickr



‘Marianela’, de Benito Pérez Galdós


En el último tercio del siglo XIX, en pleno éxito del movimiento literario del Realismo, el francés Émile Zola propuso intensificar aún más esta tendencia, dando lugar a lo que se conoce como ‘Naturalismo’. Utilizando la técnica fotográfica sobre la realidad igual que aquél, lo que Zola defiende consiste en aplicar las ideas científicas del doctor Claude Bernard a la literatura. Éste, apoyándose en la filosofía positivista en boga, propugnaba que la vida de las personas se halla determinada por sus orígenes y por el medio en que viven. Es decir, que la herencia genética y la sociedad en que se desenvuelven condicionan al ser humano en su desarrollo vital.

Una portada de 'Marianela'

Una portada de 'Marianela'

Fruto de ello es una narrativa que entra en los rincones más escabrosos de la vida del hombre: incestos, violaciones, miseria moral y material, serán con frecuencia ingredientes literarios. Y, si en autores como Zola esto no menoscaba la calidad, en muchos imitadores el resultado es incluso obsceno. De cualquier forma, la influencia de las tesis del francés fue desigual en los distintos países.

Así, en España, sus teorías nunca fueron aceptadas del todo. Aquí se prefirió seguir cultivando un realismo más tradicional, aunque introduciendo algunos elementos deterministas, y, sobre todo, sin renunciar al componente espiritual. Y es en este contexto en el que aparece ‘Marianela’.

Benito Pérez Galdós (Las Palmas de Gran Canaria, 1843-Madrid, 1920) es de sobra conocido como para esbozar siquiera un perfil biográfico. Diremos simplemente que fue un hombre entregado a la literatura, a la que proporcionó una ingente obra,    fundamentalmente narrativa, aunque también cultivó el teatro, en la cual defiende sus ideas de justicia social y progreso del país. Títulos como ‘Fortunata y Jacinta’, ‘Misericordia’ o ‘Doña Perfecta’ forman parte de lo más granado de la literatura universal y la enorme serie de los ‘Episodios nacionales’ novelan la historia de España a lo largo de todo el siglo XIX.

Personajes como doña Perfecta –la manipuladora cacique de Orbajosa, cuyos manejos acaban con la vida del ingeniero reformista Pepe Rey, que llega a la población para casarse con su hija-, Isidoro Rufete –la infeliz muchacha con ínfulas de grandeza de ‘La desheredada’, que está convencida de ir a recibir una gran herencia y acaba en la prostitución- o la pobre Fortunata –víctima del parásito adinerado Juanito Santa Cruz, que la utiliza y la abandona- forman hoy día parte del mosaico de grandes creaciones de la literatura.

Galdós, retratado por Sorolla

Galdós, retratado por Sorolla

‘Marianela’ es una hermosa novela publicada en 1878. Pertenece a lo que la crítica denomina su ’segunda etapa narrativa’, cuando ha dejado a un lado las obras de tesis –llamadas así porque su esencia era defender las ideas del autor de forma un tanto maniquea- y se concentra en reflejar la sociedad y la condición humana.

La acción se sitúa en un pueblo minero del norte de España, en torno a 1860. Marianela, Nela, es una muchacha huérfana -hija de una alcohólica que se había suicidado-, pobre y poco agraciada físicamente, que se convierte en lazarillo de Pablo, un joven ciego de familia adinerada. La infeliz se enamora del muchacho y juntos conciben planes de futuro, en especial Nela, que sueña las mayores fantasías para su vida juntos.

Pero, un día, llega al pueblo el doctor Teodoro Golfín, un prestigioso oftalmólogo que se propone operar a Pablo para que recupere la vista. Cuando este hecho se produce y el joven puede ver a Nela, la rechaza por su fealdad y, de acuerdo con su familia, se promete en matrimonio con su prima Florentina, joven mucho más hermosa.

La infeliz Nela no logra reponerse de este rechazo, al verse despreciada por Pablo, que era su única razón para vivir.

Pese a sus claras diferencias ideológicas, Menéndez Pelayo -en la foto- y Galdós fueron grandes amigos

Pese a sus claras diferencias ideológicas, Menéndez Pelayo -en la foto- y Galdós fueron grandes amigos

Junto a esta triste pero preciosa historia de fidelidad y amor, Galdós nos presenta la vida en la población, Aldearoba, como decíamos un pueblo minero. Critica las duras condiciones de vida del proletariado, del que Nela forma parte, en la línea reformista y de mejora social que conforma el pensamiento del autor.

Pero, sobre todo, ‘Marianela’ es una obra sobre la grandeza del espíritu humano. Esa muchacha cuya vida ha sido miserable y que, no obstante, conserva intacta su limpieza de alma se nos aparece como un ser extraordinario, cuya nobleza la lleva incluso a perdonar el rechazo de su amado. La infeliz había construido un castillo de arena con sus ilusiones y éstas se vienen abajo, simplemente por su fealdad, en el momento en que Pablo recobra la vista y prefiere casarse con su hermosa pero frívola prima.

Al tiempo, Galdós utiliza el argumento que ha creado para criticar con dureza el mundo de las apariencias. Rechazamos a las personas por su aspecto físico, sin reparar siquiera en su parte espiritual, humana, la cual –muchas veces- tiene unas virtudes enormemente más grandes que las de aquellos a quienes aceptamos por el mero hecho de ser bellos. Y, en este sentido, la obra alcanza cotas de intemporalidad y universalidad, pues, como vemos, el tema no pude ser más actual. El mundo hoy –y parece que siempre- se rige por las apariencias, por la imagen que proyectamos de nosotros. Debemos ser guapos, delgados y triunfadores para ser aceptados. Desde luego, la estupidez del género humano es, en ocasiones, abrumadora.

El resto de los personajes quedan ensombrecidos por la enorme figura humana de Nela. Tan sólo Pablo, en tanto que contrapunto de la muchacha, tiene algún relieve. Sin ser malo, es un joven frívolo que se rige por las apariencias y que muestra poco tacto en su rechazo de la infeliz. Como decimos, es un eficacísimo contrapunto de Nela, que sirve para resaltar las cualidades humanas de ésta.

La obra se desarrolla en un pueblo minero (en la foto, galería de una mina)

La obra se desarrolla en un pueblo minero (en la foto, galería de una mina)

Por otra parte, el estilo es, como en todas las obras del canario, un tanto desmañado –recordemos que Valle-Inclán, aludiendo a su forma de escribir, lo llamaba ‘don Benito el garbancero’- pero enormemente efectivo para mostrarnos el contenido que el autor desea transmitirnos y que, sin duda, es lo importante.

En resumen, esta narración –menor, para la crítica, dentro de la obra galdosiana- es, a nuestro juicio una obra extraordinaria y un ejemplo para las personas inteligentes, a quiénes recomendamos, dentro de nuestra humildad, vivamente su lectura. Como decíamos, es una exaltación de la grandeza del espíritu humano.

Fotos: Portada de la obra: tomada de Wikisummaries | Retrato de Galdós: Platónides en Wikipedia | Menéndez Pelayo: Joseluis bn en Wikipedia | Galería minera: Kjetilbjornsrud en Wikipedia



‘Star Wars Republic 60 El origen de Assajj Ventress’, de Hadin Blackman


"Star Wars Republic 60"

"Star Wars Republic 60"

La serie de cómics Republic tiene numerosos autores y episodios, cubre en la línea de tiempo de Star Wars, los últimos años de la antigua República hasta el alzamiento del Imperio. Assaj Ventress es un personaje femenino que  debuta en el 2002 en la serie animada de cartoon network the clone  wars. Este personaje tiene tres enfrentamientos con Anakin Skywalker, luego del tercero desaparece de escena y es conocida por ser la causante de la cicatriz sobre el ojo derecho del alter ego de Darth Vader, durante la juventud del héroe.

En ‘Republic 60′, Ventress tiene prisioneros a Obi Wan Kenobi y a su comando Alfa A 17, quien lleva la peor parte de las torturas en los interrogatorios. En esta aparición, Ventress aún no conoce a Dooku y su entrenamiento consiste en ser Jedi oscuro (dark Jedi), conocido como un paso previo al Sith. Ella desde su orfandad fue entrenada por el jedi expulsado de la orden Ky Narec, quien se refugió en su mundo Rattatak, compartido por humanoides calvos cono Assajj y una raza de gente roedor, cuyo líder Orsika Kirske mató a los padres y maestro de Ventress.


Assajj tiene dos móviles para dos venganzas
El subtítulo de este cómic es ‘Odio y Miedo’, enfatiza la revancha que Assajj tiene con Orsika, hasta que culmina esta con la muerte del hombre roedor decapitado, quien se mantenía preso en el castillo de esta guerrera. El odio a los Jedi se basa en el abandono que ella achaca a la orden a su maestro Narec, lo que pudo terminar en su vulnerabilidad para el atentado en que murió. Assajj perdió de niña a sus padres y de adolescente a su mentor, a quien le ha hecho un museo con  esculturas  y su sable de luz, por ello rabiará cuando Obi Wan roba esa arma.

Obi Wan tiene un duelo breve con Assajj, prefiere escapar del planeta y contenerla hasta que lo recoge una nave que enfrentar a una joven cegada por el odio. Este Jedi ha recuperado su arma confiscada y se ha llevado el sable de Narec para estudiar después el origen de este ex caballero Jedi.  En el caso de Orsika, Assajj demuestra tal superioridad que lo elimina de un golpe de sable. La historia de este relato continúa cuando la atlética joven se une al bando de Dooku para capitalizar su potencial al lado oscuro y allí empata el tiempo de la serie animada.

El móvil de venganza contra la orden que abandonó a su maestro, le hace caer en el lado oscuro, y su personaje reaparece en la serie Clone Wars en 3D debido a que ella salió en la película animada Clone Wars de 2008 en duelos contra Anakin y Obi Wan. Como ella sobrevive en la historia oficial de los personajes, podría ser tomada para relatos de cómic que la mezclen con personajes de la trilogía clásica. El personaje que vive cerca a 150 años desde la precuela, la trilogía clásica y el periodo Legacy es A’Sharad Hett, quien será el señor Sith Darth Krayt.

"Assajj Ventress en film animado Clone Wars (2008)"

"Assajj Ventress en film animado Clone Wars (2008)"

Una guerra donde es difícil permanecer neutral
El planeta de Assajj se mantuvo alejado de la república a pesar de contar con tecnología similar, esto confiere un origen misterioso a la villana que puede explotarse en futuras expansiones de cómics, como crear las aventuras de la niña o de la adolescente Ventress de la mano de su maestro Narec. Ella debe mostrar de lo que es capaz, para ello actúa con sangre fría al realizar varios cortes con cuchillo en el torturado Alfa A 17, con unas ilustraciones que muestran su determinación para este propósito, donde la violencia suspende lo naif.

Para no permanecer neutral en un mundo alejado de la República, Assajj pasará a los separatistas de Dooku, que se enfrentan a un gobierno que es defendido por los jedis, esto sirve para trasladar el odio de la orden a la República a la que ellos representan. La huida de los calabozos requiere viñetas de combate, a este fin el ilustrador Tomas Giorello mantiene las habilidades de Obi Wan como realizar saltos prodigiosos usando La Fuerza, pero los nivela con algunas técnicas de comando en manos del clon Alfa A 17, más simples y convencionales.

Alfa A 17 realiza una llave desnucadora a un soldado del ejército y raza de Assajj, contrariando a Obi Wan quien quería evitar la mayor cantidad de muertes. El maestro de Anakin y de Luke Skywalker también realiza esta presa a otro soldado pero solo con la intensidad necesaria para desmayarlo.  Las expansiones donde aparecen los soldados clones peleando en todo terreno sirven como background de estos personajes para el episodio III y como referente de sus habilidades para las aventuras de los stormtroopers del timeline de la trilogía clásica.

"Estatuilla en resina de Assajj y Dooku de Gentle Giant"

"Estatuilla en resina de Assajj y Dooku de Gentle Giant"

Lo que se agrega y lo que se revisa en el universo Star Wars
Los clones de la precuela han tenido tanto éxito por su diseño y su variedad de especialidades que les han sacado juegos de PC y otras consolas para ellos solos, como Republic Commando, donde se expande la galaxia lejana con nuevos y conocidos planetas que se prestan para campos de batalla. Una forma de sustentar la entrada de un planeta a un video juego es tenerlo referido e ilustrado en algún cómic, luego el video juego completará el rol de ese planeta en la galaxia Star Wars a base de la ampliación de sus características e historia.

En lo concerniente a los duelos entre sith y jedi, las expansiones de personajes cumplen el fin de llenar una cargada agenda de enfrentamientos en el tiempo del Universo Expandido, es decir entre las pausas entre los 6 episodios, su antes y después. Por las habilidades con las que está configurada Assajj, da la talla a Anakin Skywalker y Obi Wan en un repertorio de duelos que deben mantener la tensión entre estos personajes y sus bandos. Estos duelistas permiten a los creadores de comic crear más personajes secundarios en torno al timeline de ellos.

Conclusión
Republic 60 muestra la primera aparición de Assajj para cubrir oficialmente su background, aunque de manera sucinta. Este personaje femenino ha logrado aparecer en varias expansiones de la precuela tanto de historietas como series animadas, por lo que no estaría descontada una serie de cómics sobre su entrenamiento de Jedi oscuro, su niñez y adolescencia. Su éxito se debe a cruzar su timeline con el de Obi Wan Kenobi y Anakin Skywalker, ilustrando los polos luminoso y oscuro de la fuerza y su intersección.

Lectura del cómic | ‘Star Wars Republic 60 El origen de Assajj Ventress’, de Hadin Blackman en Mediafire

Imágenes:

Republic60: Durnar en Starwars.wikia

Assajj en Clone Wars en Movieweb

Assajj y Dooku en forbiddenplanet



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