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9 de Mayo, 2009

Leer gratis... 7 artículos!

Por raúl - 9 de Mayo, 2009, 3:54, Categoría: General



"LeerGratis.com" - 7 new articles



"El caballero desnudo" de Sally Mc Kenzie 

Véndame los ojos de Georges Bataille

  1. ´El alma del vino de Charles Baudelaire´
  2. ‘Monta sobre mí de Paul Verlaine’
  3. ‘Ave de Alain Bosquet’
  4. Era un aire suave de Rubén Darío
  5. “Ficciones”, de Jorge Luis Borges
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‘El caballero desnudo’ de Sally Mc Kenzie


"El caballero desnudo (2009)"

"El caballero desnudo (2009)"


Sally Mc Kenzie es una escritora de novela romántica en lengua inglesa, quien como las otras escritoras de bestsellers
Samantha Saxon y Nora Roberts, ha escrito series de novelas que tienen un título similar. Su novela ‘El caballero desnudo’ (2009)pertenece a la serie Naked o desnudo, donde los personajes de los títulos son hombres expertos en las lides del amor que encuentran mujeres de carácter fuerte y una belleza arrolladora, tornándose ellas las verdaderas protagonistas de estos relatos que guardan una perspectiva femenina sobre el romance.

Como este libro es reciente, solo está como muestra su primer capítulo, en él, la protagonista Margaret Peterson, hija de un párroco y experta en horticultura, anda en busca de matrimonio a sus 21 años, pero entre los candidatos a merecer el galardón de su hermosura deben desfilar hombres entendidos en horticultura y poseedores de las mejores colecciones de plantas en Londres. En este primer capítulo, Margaret o Meg es salvada del intento de violación del noble pero horrible y desagradable Lord Bennington, por intermediación del horticultor Parker-Roth.


Dos tipos de besos el deseable y el repulsivo
Margaret se mete en problemas en la fiesta de lord Parmelson por pedirle a lord Bennington que la acompañe a observar unas plantas en una sección oscura y de arbustos del jardín. En esa oportunidad Bennington intenta seducirla pero ante el rechazo y una mordida de Meg se resuelve a tratar de violarla, arruinando su vestido y manoseándola. Bennington es el personaje de valoración disfórica o negativa del relato, tiene una nariz demasiado larga, entradas en la cabeza muy pronunciadas a sus 36 años, y labios muy gruesos que asquean.

Bennington está dispuesto a casarse con Meg porque le gusta como mujer, por ello intenta violarla para que ella se vea forzada a aceptar su propuesta de matrimonio. Ya casi perdida, besuqueada por ése hombre y a punto de ser penetrada, solo se salva por el ataque de Parker Roth quien salió del salón de baile a tomar aire fresco. Este hombre coge del cuello y golpea a Bennington para frenarlo. Este capítulo se desarrolla como un flashback de la primera escena que comienza con Parker-Roth besando a Meg en la boca, mientras ella le pedía que se vaya.

Bennington es demasiado feo para Meg, y su carácter violento empeora la tensión entre ellos, de Parker-Roth solo se dice que tiene lentes, pero en su descripción figura mejor dotado que el vizconde Bennington, quien es escuálido y pequeño, Parker-Roth tiene al menos mejor constitución y fuerza física que él. En el relato se dice que Meg ha besado a otros hombres en busca de pretendientes, aunque curiosamente no se ha entregado sexualmente a ninguno, para estos hombres besarla es lo mínimo que pueden hacer ante la atracción que despierta.

Hombres que desnudan sus intenciones

"Sally Mc Kenzie"

"Sally Mc Kenzie"

Muchas de las novelas feministas, incluso los bestsellers de narradoras de romance abordan la perspectiva del ginocentrismo o celebración del ser de la mujer. Para enunciar los rasgos positivos de la feminidad, las protagonistas deben ser mujeres hermosas, a este respecto, Meg es delgada y con curvas, de cabello castaño y sedoso, blanca de ojos marrones, tiene ventaja sobre los hombres que la pretenden por su configuración. Los hombres por más expertos que sean en el sexo, no pueden perder tiempo ante ella y le revelarán rápido sus intenciones.

El texto diferencia en la forma a los hombres, el repulsivo frente al viril, pero ambos en el fondo son hombres en busca de placer y conscientes de la competencia por ella actuarán tratando de llamarla a la disposición de su sexualidad. En el hombre protagonista del relato y favorecido por la narración, Parker-Roth, hay algo de la conciencia feminista en su ethos, pues él descree del matrimonio como institución obligada para alcanzar la felicidad, mientras que Meg, lo valorará como un paso importante en su vida por ser hija de un párroco protestante.

Sin embargo, lo que puede diferenciar a Meg de su padre el sacerdote protestante es su sentido utilitario ante el matrimonio, el que es parte de un proyecto, pues ella quiere casarse con un horticultor para gozar de las colecciones de plantas exóticas y dedicarse al negocio de exportación y venta de las mismas. Dentro de la perspectiva feminista, la pasión por las flores es símbolo de feminidad, delicadeza y muestra una identificación positiva con la naturaleza, que permitirá generar simpatía de los lectores hacia esta protagonista.

La experiencia viene por el estudio y clasificación de los hombres
Meg va decodificando a sus pretendientes mientras realiza una taxonomía de ellos, así descarta al horrible y endiablado de genio Bennington, ha probado los besos de otros enamorados suyos en eventos sociales y está resistiendo a la tentación de decidirse por Parker-Roth, aunque solo le disgusta de él cierto aire de superioridad ante ella, al juzgar que ya sabe cuál es su modus operandi frente a los hombres que la acosan. En esta novela que privilegia el punto de vista femenino, Meg evitará que los hombres la decodifiquen.

Si en esta serie todos los hombres están desnudos es porque las protagonistas han estudiado las diversas capas, máscaras y facetas con que ellos se presentan ante la sociedad y ante ellas mismas. El hombre sería trabajado como quien abre una serie de cajas chinas o muñecas rusas hasta llegar a la aprensión de su ethos, la que solo sería reducible y discutible con un informe psicológico de cada uno de ellos, pero eso no es el objetivo, sino probar que la mujer tiene el poder de entenderlos cabalmente y reservarse el donar todos los datos de su personalidad.

"Mc Kenzie con su familia"

"Mc Kenzie con su familia"

Conclusión
En una novela ginocentrista, la protagonista tiene que mantener un poder de comprensión y trabajo de los hombres, como muestra de su percepción agudizada por la experiencia, sin embargo, no puede permitir que el proceso de decodificación tome la dirección contraria, pues peligrarían sus planes de hacerse con el negocio de la horticultura y peor aún, los hombres rehusarían casarse con ella, prevenidos de su astucia. Esta es una novela romántica con toques de humor que hace llevadera la tensión entre Meg y sus pretendientes.

Lectura del primer capítulo | ‘El caballero desnudo’ de Sally Mc Kenzie en Autorasenlasombra

Imágenes:

El caballero desnudo en Imageshack

Sally Mc Kenzie en Goodreads

Familia de Mc Kenzie en Sallymckenzie.net



Véndame los ojos de Georges Bataille


Georges Bataille (1897-1962) fue un poeta surrealista francés del grupo de André Breton. En su poema Véndame los ojos lleva la estética a un nivel casi escatológico al incluir imágenes grotescas en su breve poema. Lo feo, contingente y lúgubre irrumpe en el amor como actitud vital con la amada que también es sombría, y aflora del ethos del poeta, reflejado en su yo lírico. En la noche el poeta se siente inmerso en el misterio que aprende por el predominio de los elementos chocantes en su poema.


Georges Bataille

Georges Bataille

Bataille siente que los sentidos no aprecian la verdad en la noche, que la falta de ajuste de los mismos es requisito para lograr el Eros con su amada siniestra y verbalizar su funesta contemplación del mundo. Es un mensaje encriptado donde la amada puede representar el tipo de poesía que buscó cultivar, desolada, desencantada, melancólica, con una aprehensión por el horror. Bataille sigue la línea de experimentación de la vanguardia, donde el poema ya no del todo placentero para dar lugar a lo grotesco.

Lo grotesco: Las poéticas de los escritores vanguardistas se amplían en lo siniestro, lo feo, lo horroroso, para dar variedad a su visión estética. Bataille estudió culturas y religiones para ahondar en los misterios y visiones trascendentes del hombre. La imagen más grotesca es la de los pájaros volando de noche con los ojos reventados, es una imagen que sacude al lector, como quitándole la posibilidad de encontrar belleza, este verso es preludio de la comparación de la amada con un cielo negro y sombrío.

El título es perturbador, el yo no quiere ver lo que le ofrecen sus ojos, sabe que por la oscuridad de su corazón va a ver el mal, visiones de pesadilla y muy poca esperanza en la vida. El yo poético sabe que las visiones de su inconciente son pesimistas, llenas de dolor por mantenerse en la oscuridad, el poema no tiene el balance de la luminosidad del día, la noche es su tendencia, su preferencia ética y estética. Completa el aire grotesco el sufrimiento del yo, que determina como instala su voz en el poema.


La noche no es grotesca, solo las visiones del poeta, piensa que los seres nocturnos andan ciegos, que emanan la oscuridad que el lleva en su cosmovisión. El mundo huele a muerte para el yo lírico, quien al ingresar a la noche ha abandonado la luminosidad y la actividad positiva del día. Es como si quisiera liberar toda la energía guardada en el día en la noche, donde el esfuerzo es mayor. La noche es el momento del delirio, de la pesadilla, de la poética perturbadora que incorpora lo grotesco a su arte.

La noche: La noche comparte el sema de oscuridad con la muerte como misterio y ley de la vida, con las pesadillas como visiones terribles y con el ethos del yo poético, que se sumerge en el fatalismo de su visión desencantada. Confiesa que ama la noche y le pide a su amada que lo empuje hacia ella, pues la encuentra en plenitud en la oscuridad. Todo el poema está en vocativo, la amada es la destinataria, la mujer capaz de liberar la energía del hombre contenida en el día, de canalizarla por el misterio que ella es.

Marqués de Sade, influyente en el autor

Marqués de Sade, influyente en el autor

Esta amada está como iniciadora sexual del hombre, o como guía en el Eros, el aumento del placer es un fenómeno oscuro porque no se sabe su origen, solo la mujer sombría lo puede motivar, al menos para este poeta oscuro, noctámbulo y tétrico. Este poder de la mujer, como administradora del sexo, como el personaje de Alejandra Vidal Olmos, en la novela Sobre Héroes y Tumbas de Sábato, que inicia a Martín en el placer y erotismo, esta chica en la novela era muy atractiva y estaba controlada por la secta de los ciegos.

El yo lírico de este poema reconoce la guía de su amada, sabe que ella es la que lo hará partícipe de la noche, incluso compartirá su pesadilla, porque el esta subordinado a ella y teme perder su compañía nocturna. Esta noche es arquetípica de la conexión vital del poeta con el mundo, ya que su obsesión por el misterio lo hace vivir en oscuridad, esta es una condición que sustenta lo grotesco, pues no sería necesario en un poema de calma, aunque breve, este poema refleja la nueva concepción de la belleza en poesía.

Estar vendado: Hay una realidad que el yo poético no quiere ver, es la del día, de la cotidianeidad y el orden natural que no entona con su ethos pesimista, le queda como alternativa la noche para desenvolverse, o más aún para proveer a su poesía de un espacio y tiempo acorde con su actitud vital trágica y lúgubre. Este yo poético no ve la alegría ni la vitalidad de la vida, lo que ve es un escenario de muerte y pesadilla que domina su espíritu, en ese trance el Eros es su único aspecto vital y de comunicación.

Lo que se puede ver más allá de lo cotidiano es el mensaje trascendente, el

Nietzsche, otra gran influencia sobre Bataille

Nietzsche, otra gran influencia sobre Bataille

revelador de misterio, de encuentro con su verdadero ser. En este poema Bataille asume la oscuridad de su ethos, como lo hizo Antonin Artaud en su poema ‘El poeta negro’. Estos poemas presentarían personajes oscuros llenos de traumas y contradicciones, como los anti héroes de la narrativa surrealista, que inspirarían a los héroes oscuros de ficción, incluso de cómic que llevan consigo conflictos trascendentales con que luchar en su vida.

Con este tipo de poesía se ingresa a los misterios del alma humana, los poemas están cargados de temas para la psicología, ya que el surrealismo se inspiró en las teorías de Sigmund Freud. Lo grotesco es valioso para ser decodificado, para ver como se amplía el canon de la buena literatura, con elementos que se añaden como trasgresión y muy rara vez están para provocar. Lo grotesco es un eje temático que capta la tensión de los fines de la modernidad, los gritos del hombre por evitar cosificarse.

Conclusión: Bataille es un poeta oscuro, adepto al horror y lo sobrenatural en su poesía, también busca reflejar pesadillas que podrían interpretarse como el desajuste producido en una vida llevada a ritmos más lentos, antes de los últimos años de la modernidad, donde los cambios técnicos, sociales y económicos impulsaban al hombre hacia un progreso material, pero amenazaban con sumirlo en una rutina de monotonía. La salida se expresa desde el arte, con lo grotesco como símbolo de la contingencia del cambio.

Imagen Bataille: Magnus Manske en Wikipedia
Imagen Sade: Andibrunt en Wikipedia
Imagen Nietzsche: Madden en Wikipedia



´El alma del vino de Charles Baudelaire´


Charles Baudelaire (1821-1867) poeta romántico francés, uno de los primeros poetas malditos, cuyo arte no se toma tanto ya por provocación sino como recurso catártico para clarificar la lucha entre la conciencia del hombre y sus instintos, los que pueden conducirlo al mal. En su poema ´El alma del vino´, Baudelaire le da voz a esta bebida universal, comenta sus propiedades y efectos en el ánimo de los bebedores y recrea la leyenda del genio encerrado en una botella que concede deseos a quien la abre.


Baudelaire

Baudelaire

Baudelaire está considerado un romántico en camino a la modernidad, sus versos se adelantaron en contenido a los poetas contemporáneos suyos. El vino revela su ethos en el poema, ofrece conceder alegría, fraternidad, bienes para la familia, proclama su naturaleza divina, pues el texto alude al vino en homenaje a Dios en la misa. El licor juega con el sema de bebida espirituosa, haciendo aflorar un espíritu que resume su ethos, y está en dialogo con la cultura universal, pues está en varias ocasiones.

El genio de la botella: El vino ha sido liberado de la botella, una especie de prisión, nos recuerda la historia de Aladino y la lámpara maravillosa, por los deseos que promete cumplir este ser espiritual. El vino reconoce el trabajo de los labradores, como en la liturgia se dice que es ´fruto de la vid y del trabajo del hombre´; esto se debe a que Charles Baudelaire cita pasajes religiosos, bíblicos, a pesar que este escritor vivió un cristianismo en ruinas, no perdió la conciencia total de su fe.

El genio anuncia su labor productiva, genera los efectos deseados en los bebedores como fuerza, alegría, compañerismo, es vitalizador, está dispuesto a ser consumido por el paladar del hombre cansado que lo bebe como refresco a su jornada diaria, se sabe ideal para reuniones de domingo, día de descanso, incluso se sabe necesario como balance de la dieta humana, como si fuera una especie de tónico que acompaña las comidas, pero con la ventaja de tener un sabor agradable, fresco y dulce.


El vino quiere salir de la botella y aún de la bodega, que siente fría para ingresar al pecho del hombre, alegrarlo y fusionarse con su ánimo. El vino reposa varios años en cavas para mejorar su sabor, de allí la imagen del encierro del genio de la botella. El vino añejo ingresa al hombre comunicando el pasado al presente, se sabe que cuanto más añejo el vino más pardusco es, así está más próximo a ser bebido. Cuanto más añejo el vino más costoso y exclusivo es, el vino aquí es más asequible.

Las propiedades del vino: Las virtudes del vino están enumeradas en este poema, son muchas, está vinculado a la naturaleza, por su origen en la siembra, tiene carácter divino y sagrado en la tradición judeo cristiana, es una bebida tonificante, cambia el ánimo, puede llevar a la alegría, aunque por estudios psiquiátricos, el trago también es depresor, o puede contribuir a incrementar la pena del bebedor, si bebe solo y contrariado por su vida. Baudelaire tuvo momentos de alcoholismo y de opiómano, los refiere mucho.

Retrato del autor

Retrato del autor

Los poetas beatniks proclamaron la ebriedad como condición necesaria de desapego de los sentidos, para lograr la iluminación, que creían conseguir, aunque sus textos fueron muy discursivos, Ginsberg, Kerouac recapitulan escenas de cantina, que son formativas de la experiencia del poeta beat, en textos muy saturados del protagonismo del yo y del nosotros de la generación beat. Baudelaire deja hablar al vino, le presta voz autónoma y lo revela como compañero milenario del hombre y de la cultura universal.

Charles Bukowski celebró la embriaguez como posición contestataria, reflejo de su ethos y celebración del yo. En Baudelaire se introduce al vino como personaje lleno de virtudes, aún el yo bebedor no alcanza protagonismo, se sobre entiende como experto y decodificador de la enología. Este poema de Baudelaire perdura en el tiempo porque no es un simple monólogo del vino como personaje, lo trasciende al instalar el dialogo entre la bebida y la cultura humana universal, marcando una simbiosis.

La botella: El envase de vidrio es el recipiente de la bebida hasta antes de ingresar al organismo humano, la botella prefigura el esófago y estómago del bebedor, marca su división en potencia cuando está envasada y acto, al ingresar al hombre, cuyo pecho llama un dulce sepulcro. El vino concede calor al ser humano, le restituye su temperatura pues tiene en medidas racionales, propiedades favorables a la circulación. Actualmente, la antigüedad del envase es correlato de la edad de la bebida contenida.

Charles Baudelaire

Charles Baudelaire

La botella es motivo de arte, de escultura, incluso se le incrustan medallas, chapas, cintas y listones como decorado, esto es parte de la gloria que ofrece compartir el vino con el bebedor, pues está bebida ha sido aceptada mundialmente para celebrar. Si se le compara con una prisión es porque el efecto del vino solo se libera al ser ingerido por el hombre, no se puede sentir la embriaguez con solo mirarlo, se requiere participar de él, acogerlo en el organismo, también el vino pide que el bebedor se deje llevar por él.

El vino es el genio liberado, personaje con voz propia en el poema, protagonista de la celebración, pues el poema no llama a ningún exceso, elogia las virtudes del vino como un bien en sí mismas, el licor es un vehículo para la alegría y aunque suene paradójico para la salud también, tomado con moderación, por supuesto, ya que se presenta al personaje del alma del vino sin vulgarizar ni banalizar su uso, reconociéndole tema universal de la poesía, trascendencia al culto sagrado y cultura del hombre.

Conclusión: En este poema, el vino es un personaje que revela su ethos al bebedor, le ofrece un mundo de vitalidad, de poesía, de arte y aún de comunicación con la religión por el carácter sagrado del vino para las liturgias. El vino es como el genio de la botella que concede favores, por sus propiedades psíquicas y otras buenas para la salud como beneficiador de la circulación, en moderadas cantidades. El vino se anuncia como compañero del hombre en la historia y desarrollo de su cultura.

Lectura del poema | Poemas en francés

Imagen1: Joseluisbn en Wikipedia
Imagen2: eloquence en Wikipedia
Imagen3: J. dallorto en Wikipedia



‘Monta sobre mí de Paul Verlaine’


Paul Verlaine (1844-1896) fue un poeta francés simbolista, conocido por descuidar a su esposa por su amorío con Arthur Rimbaud, diez años menor que él. Aunque la diferencia de edad entre ambos poetas gays no era muy grande, Verlaine si lucía mucho más avejentado por su calvicie prematura. Paul introdujo a Rimbaud en el círculo de poetas simbolistas, su relación fue también artística e intelectual, ambos iban juntos a tertulias y veladas literarias, también ellos dos tuvieron aparte otros amantes hombres.

Paul Verlaine por Paterne Berrichon

Paul Verlaine por Paterne Berrichon

En este poema, el yo poético está penetrando a un efebo adolescente, mientras el se sienta en sus muslos. Pero conforme se excita el pasivo de la relación, Verlaine se siente más excitado al ver que su adolescente que funge de mujer comienza a eyacular, en ese momento recuperando su impulso pasivo de activo penetrador pasa a pasivo con un felatio del semen que considera una leche en fósforo que le embriaga. El poema se puede entender pornográfico, pero revela el entendimiento de la relación sexual gay.

La apropiación del pasivo: Verlaine se apropia de su efebo al penetrarlo, no sabemos si fue Rimbaud u otro adolescente que llevó a la consumación del acto gay. La descripción del cuerpo masculino afeminado por el rol que le ha tocado actuar en el sexo gay es la forma como Verlaine se apropia del sujeto gay de deseo. No se puede olvidar que son igual de homosexuales el activo y el pasivo gay de la relación, y que ambos tienen la potestad de invertir sus roles a discreción porque están experimentando con su sexo.

Verlaine compuso varios poemas de corte gay, ya que fue su mayor aproximación al placer erótico, su actitud en el poema es vehemente, desbordada, solo piensa en copular a toda costa al efebo, pero le brinda la posibilidad de que le devuelva la acción. El tono erótico agresivo con que se describe y recorre la anatomía masculina también fue empleado en varios poemas feministas, por mujeres que revaloraban su rol sexual desde una perspectiva de mayor protagonismo y liderazgo sexual, de administración del Eros.


Tanto la mujer feminista como el gay se sintieron cohibidos de expresar su sexualidad en una época de control de las imprentas por la censura del aparato estatal. Su poesía si no hubiese contado por el prestigio ganado en vida por Verlaine, habría sido tomada como marginal, simplemente atrevida y provocadora y hasta procaz. No hay que olvidar que este un poema narrativo que se divide en dos partes, primero cuando Verlaine copula a su pareja y luego cuando se decide a realizarle el felatio por su locura gay.

El sujeto de deseo gay: En todos los poemas gays, los hombres interactúan sexualmente entre sí, se tratan con cariño, con adjetivos mujeriles, saben que es otro hombre con tanta fuerza como ellos que tienden que dominar en esa relación que debe ser hasta más agotadora por mover un cuerpo de igual peso o similar al suyo. El Eros gay es circular e intercambiable, hasta sugiere la figura de la serpiente comiéndose su cola, ya que no se sabe en que momento se va a iniciar una etapa pasiva o activa, según el deseo gay.

Verlaine en un café

Verlaine en un café

Neruda un hombre que proclamó su virilidad en sus poemas, aprendió a la mujer con una vitalidad y energía en sus textos que sería comparable a la desplegada por Verlaine con sus efebos. Es decir, el yo heterosexual de Neruda logró que la mujer fuera tomada totalmente por el deseo del hombre, como subordinada a su placer, sin por esto dejar de homenajearla; a lo que voy es que de forma similar la poesía gay tiene un sujeto de deseo que subordina a su Eros y lo muestra dominado y dependiente del yo poético.

Gil de Biedma en sus poemas gays, revaloraba la compañía del cuerpo masculino, rescataba la ternura del efebo como un valor en sí mismo, y el fue el que asimiló esta poética de apropiación del sujeto gay de Verlaine y de todo el canon de la poesía gay. Tenemos en Verlaine una confesión, no por penetrar a su efebo deja de ser gay, sino más bien refuerza esta conducta porque escapa del amor natural entre varón y mujer, prefiere el Eros doloroso, contingente del sexo homo erótico como opción vital.

El razonamiento erótico gay: Al leer estos poemas, nos damos cuenta primero de la transgresión de la norma estándar del Eros natural y de la provocación social en la proclama del amor gay. Para los homosexuales es imprescindible reproducir el sexo entre ellos las más de las veces, ya que no les satisface una relación platónica ni mucho menos mesurada. Gay frente a gay colaboran en satisfacer su deseo en ciclos de sumisión y de acometida sexual intercambiables a discreción de su estado de ánimo.

Paul Verlaine

Paul Verlaine

El gay que penetra lo es tanto como el penetrado, aquí hay que desmitificar al violador de la cárcel, quien puede ser un reo peligroso y fuerte, pero pasa a la homosexualidad para satisfacer su deseo desviado. Los gays tienen que asumir la violencia de su sexo, pues les queda el ano desbocado, ellos cambian moralmente y se deforman físicamente con su relación, pues han aceptado el dolor y las excrecencias masculinas sobre ellos en su minoritaria opción sexual, que supone la conquista del otro igual que ellos.

Verlaine era un gay de barba y bigote, su fisonomía podría camuflarlo en la comunidad, pero a la hora de poetizar sobre sus relaciones sexuales gays, no reprimía el ímpetu con que las satisfacía, no dejaba de recorrer el cuerpo del efebo ni del amante, ni de llamarlo con la metonimia del pene para apropiárselo en esa porción de masculinidad, Verlaine sentía como todos los gays que al tomar el pene de su amante y darle un felatio, se adueñaba del amante en sí, de su identidad y de su condición física y empírica.

Conclusión: Paul Verlaine se apropia del sujeto de deseo gay, su efebo, que está siendo iniciado en las lides de la relación homosexual. Para esto describe la anatomía masculina como si estuviera feminizada al momento de penetrarlo, pero recupera su posición de pasivo al realizar un felatio a su efebo, como toma de posesión del pene de su pareja gay, un estilo de representación del Eros gay que ha continuado hasta hoy en la poesía confesional homo erótica y es tomada también por las escritoras feministas.

Lectura del poema â"‚Poemas en fránces

Imagen1: Mu en Wikipedia
Imagen2: Phrood en Wikipedia
Imagen3: WeFt en Wikipedia



‘Ave de Alain Bosquet’


Alain Bosquet (Odesa, 1919-1998) poeta surrealista ruso nacionalizado francés, escribe sobre las transformaciones de los entes por el lenguaje, la vida individual como expresión mínima del universo, la imaginación activa y el poder de los sueños. Todos estos tópicos aparecen en su poema Ave, donde el pájaro como personaje aparece minúsculo en el cielo para metamorfosearse en un águila que vuela sobre el poeta y cae en su cabeza. El tono lúdico integra perfectamente sueño y vigilia en el poema.

Alain Bosquet

Alain Bosquet

La pequeña ave pasa de una coma a un águila, parece que esta transformación le produce vértigo para caer sobre el yo poético. El ave cobra la forma del dibujo infantil, de una especie de coma, recupera y pierde su forma, termina como un águila para volar alto y caer mientras el yo poético se cuestiona la naturaleza del mundo ficcional en sintagmas de antojada composición. El paso de la vigilia al sueño se toma como una transformación del poder de la imaginación que se enfoca en el ave como personaje.

Las transformaciones: Todas las metamorfosis pasan aceleradas por la brevedad del poema, tienen que jugar con la contigüidad de la forma, mientras el yo intenta crear un mundo paralelo de ficción del que duda ante el ave, como ‘la cascada que bala’, por el sema del sonido,  ‘el tigre volcán’  por el color anaranjado de su piel y de la lava. Todo elemento del poema tiende a transformarse, solo que las transformaciones más forzadas son las que instalan la duda en la ficción, como un freno al disparate.

Los paralelos de la ficción sirven para referenciar el momento de experimentación de la vanguardia, como rasgo de esta vertiente. No se puede aseverar la realidad del sueño, solo existe como imágenes o secuencias, además el surrealismo también se construye como súper realismo, una ampliación de la realidad donde el sueño puede ingresar a la ficción como una motivación verdadera del yo poético, o algo que fue elaborado por la mente del poeta y mereció la pena ser modelado dentro del texto artístico.


Bosquet, cuyo verdadero nombre era Anatole Bisk, contó con el apoyoBreton y de Albert Camus de escritores de la talla de , que influyeron en su obra poética. Alcanzado cierto grado de madurez, el poeta puede cuestionar su propia ficción, para dar más perspectivas al texto o hacerlo poliédrico, jugar con la recepción del lector o tener preparado un final inesperado como la caída del águila desde la altura. Mientras la transformación sea lúdica, el yo lírico la sostiene para enfrentarla a la más forzada.

Andre Breton

Andre Breton

La escritura lúdica: El poema empieza con el vuelo de un ave que se ve muy pequeña en la inmensidad del cielo, como dibujando una coma con su cuerpo en las frases que escriben las nubes. Parece una alusión a los caligramas de Mallarmé, esos poemas que buscaban representar conceptos visuales y componer según la imagen construida en el papel. El cielo es el marco del poema, si se trata de seguir el vuelo de un ave, se termina dando vueltas al escenario, lo que sucede con el recorrido de la coma vuelta águila.

La forma de coma para el ave es más sugerente que la M con que se enseña a dibujar a los muy niños en el kinder, además la coma representa una pausa, una respiración del poema, por tanto es mímesis de la vida que quiere ser recreada. La coma puede figurar la cabeza y el ala de un pájaro, o el vuelo de perfil del ave, mientras que la M vendría a configurar el vuelo frontal. El poeta prefiere el vuelo de perfil del ave para seguir su movimiento, ya que de frente, la M terminaría en un punto que se borra.

La coma en el cielo representa el vuelo poético de la escritura, su búsqueda de absoluto, de ahí la necesidad del juego de las transformaciones, pues en una lectura meta literaria, la técnica y la teoría aplicadas durante la creación del poema son capaces de convertir el referente de la realidad en materia de la ficción, incluso ampliando su contenido y posibilidad de expresión. El dibujo unido a la lectura completan el juego, esto vino del simbolismo pero se retomó en la vanguardia, pues todo ismo revisa lo anterior.

El ciclo de la coma: La coma marca una pausa entre la construcción del poema y la búsqueda de referente de la realidad, también entre la ficción privilegiada o valorada positivamente y la ficción que va a ser cuestionada como ridícula, en tanto parte de la escritura lúdica. El poeta duda de su propio poder de creación, descree de las lunas regordetas, el desierto elocuente, como un oxímoron llamativo, ya que la soledad es muestra de silencio, espera que la coma vuelva a su escritura, a su origen.

Alain Bosquet

Alain Bosquet

Duda del ridículo, del disparate, lo fingido en poesía no es falso, existe en la imaginación, es parte de la invención del poeta, pero el texto necesita presentar un balance entre lo que es valorado y lo que es cuestionado para asentar su estilo. En la Tempestad de Shakespeare, Próspero el mago, no duda de sus poderes, pero sí los abandona en la isla para volver a su reino, una vez vuelto el orden en la vida de todos los personajes, esto es una suerte de retiro, más aquí el yo aún no deja la poesía.

La ficción ordenada duda de la ficción apresurada. Este breve poema es como un arte poética, un saber que tomar y que desechar, un uso del artificio con intención de aprovecharlo al máximo, sin embargo el paralelo de lo fingido sigue siendo interesante porque la coma sirve para enumerar los sintagmas de la invención más antojada del yo poético. Esa coma es personal para Bosquet, nació en su versos, se nutrió de su ficción, el sabe donde colocarla para buscar el efecto deseado y jugar con ella.

Conclusión: Alain Bosquet juega con la forma de la coma en su poema ave para iniciar un ciclo de transformaciones de esta en ave y luego en águila. La coma alcanza vuelo poético porque recorre el firmamento como símbolo de absoluto, luego vuelve a su origen, es decir a los versos de Bosquet, para permitir que respire el poema y este se cierre. Las metamorfosis del personaje ave son una demostración del poder de creación del artista, que se contrasta con elementos de ficción un poco forzados.

Imagen Bosquet: Webplaza
Imagen Breton: Claudio Elias en Wikipedia
Imagen sello: Pluq59



Era un aire suave de Rubén Darío


Rubén Darío (Nicaragua, 1867-1916) fue uno de los fundadores del modernismo, quien prefirió dotar a sus poemas de temas clásicos para recrear atributos como la belleza escasa y codiciada de una mujer, la marquesa Eulalia en su poema Era un aire suave, en la narración de los eventos Eulalia está en una fiesta en la terraza de su palacio, donde varios pretendientes forman una corte ansiosos por conseguir su favor, ella los mira y ríe con la crueldad de la mujer que se siente poderosa por sus encantos.

Ruben Darío

Ruben Darío

El poema presenta en una sucesión de imágenes como se desenvuelve el baile donde los nobles se disfrazan de pastores para el galanteo. Sorpresivamente Eulalia fuga al bosque con amante que ya tiene elegido, burlando la paciencia de todos los galanes que la esperaron y le hicieron la corte. El tiempo de los sucesos del poema es en el reinado de Luis XV, que brinda el marco de boato cosmopolita para la fiesta y la justa entre los pretendientes por los favores de Eulalia, quien hace sufrir a los hombres.

La belleza: La extraordinaria beldad es un bien escaso en la corte, Eulalia la tiene en exceso al punto de ser divina, comparada con Venus por atributos como el cinto de Cipria, un nombre de la diosa por una leyenda que la hacía nacer en Chipre, la rueca de Onfalia y el poder de seducción por contar con las flechas de Eros. Eulalia en un momento coquetea con el vizconde y el abate. Su belleza está acompañada por el lujo de su mansión, la terraza tiene columnas jónicas con esculturas de dioses griegos.

Parte del decorado es una estatua de bronce de Mercurio, hecha por Luis de Bolonia (1529-1608), los músicos vienen de Hungría y de Italia, el lujo acompaña la belleza de Eulalia, durante el discurrir de la fiesta. Darío insiste en la alusión a su belleza, esta dama tiene ojos azules otro bien escaso al menos en Latinoamérica, es maligna y bella La belleza es un arma para desarmar a los pretendientes de la confianza inicial con que pudiesen acercarse a Eulalia, quien vestida de encajes ostenta su triunfo amoroso.


La belleza de Eulalia se resume en su rostro, ya que en el mundo a veces cuantas mujeres famosas tienen un cuerpo escultural pero su fisonomía es arreglada por el maquillaje. Celebrar la belleza del rostro femenino es una metonimia de su belleza integral, se enuncia la parte más difícil de tener este atributo, el poema apunta a la perfección, hasta su risa es musical y su baile depurado. Un ser bello es capaz de crear belleza en sus actos, aunque su fin sea la vanidad y el tormento de los hombres.

Eulalia representa un tipo de mujer: Esta mujer es muy hermosa, coqueta, frívola y cruel con sus pretendientes a quienes hace esperar impacientes su elección. En paralelo a este personaje está Jeanne Antoinette Poison, marquesa de Pompadour, protectora de escritores y artistas, durante el reinado de Luis XV, quien la tomó de favorita. Eulalia representa a la amada que todos desean, aunque sus virtudes éticas se desdibujen. Ella genera que los hombres la orbiten, por el galardón de su favor, tan disputado.

Rey Luis XV de Francia

Rey Luis XV de Francia

Este tipo de mujer está en celebración de su femineidad, valor que es móvil y eje de sus actos, como fuente de poder, alegría y orgullo para ella. En feminismo se hablaría del ginocentrismo, la mujer como centro de todo, punto de referencia y objetivo de un mundo que vive dependiente de ella. La delicadeza de Eulalia es paradójica frente a la crueldad con que castiga a los hombres. Esta representada como un hermoso pájaro que esconde desdenes bajo el ala, la que parece un leve abanico, que expande su aire.

El paso al bosque, representa el locus amenus como escenario para la amada ideal, la que es enunciada principalmente por su belleza, exacerbada por magníficos epítetos, sin embargo la satisfacción del Eros es para un solo afortunado, un poeta disfrazado de paje. No se sanciona la conducta de Eulalia se destaca por su poder, mientras todo el poema se refiere a su gracia y delicadeza, aun para bailar el minué, recogiendo su falda con dedos de ninfa. Ella causa expectativa, pero escoge a quien desea sin dudar.

La fiesta: El baile es barroco por las menciones a la corte de Luis XV, también lleva en sí muchos elementos clásicos. La alegría de la fiesta y los sones de la música son marco de la risa en burla de Eulalia a sus pretendientes. Solo en una fiesta que ocupa tantas estrofas se puede encontrar a una mujer como Eulalia, que siempre va a excitar a los hombres dispuestos a competir por ella. La fiesta es ostentación también de la posición social de Eulalia, una aristócrata que tiene todo el tiempo del mundo para el placer.

Basílica de la Asunción

Basílica de la Asunción

El estilo de vida de Eulalia se actualiza en la fiesta, como diversión y ocasión para seducir a los hombres. La fiesta es imprescindible para el cometido de liberar el Eros y aprovecharlo, el bosque es un complemento de discreción que no lo brinda la terraza, ella podría acostarse con su elegido de la noche en alguna habitación de su mansión pero prefiere salir de la vista de todos. Hasta la más coqueta de las mujeres necesita privacidad, ella no es la única en el baile, el resto ya tiene su galán vestido de pastor.

La opulencia de la corte de Eulalia se compara con el lujo de Versalles en el poema, solo se puede desplegar el gasto de una fiesta tal en un lugar palaciego. Sin embargo es un evento donde el arte es marco del mismo, las esculturas, la música, la presencia de galanes informados de poesía, pues están jugando el galanteo de la academia arcádica. Para el goce de esta fiesta se necesita juventud, Eulalia está aún en el esplendor de su vida, pues de lo contrario carecería de tan incondicionales admiradores en su corte.

Conclusión: El extenso poema de Darío aglomera imágenes entorno a la belleza de Eulalia, su protagonista,  y al fastuoso baile que se celebra para que ella elija un pretendiente, mientras estos hombres se consumen de ansiedad y ella ríe por imponer su poder con un toque de crueldad y ostentación de su belleza que por los adjetivos va de acuerdo con su fortuna. Eulalia representa un tipo de mujer que se va a repetir en la historia, la femme fatale que juega con los hombres, contenta por dominarlos.

Imagen Ruben Darío: John Manuel en Wikipedia
Imagen Luis XV: Carolus en Wikipedia
Imagen Basílica: Jagal en Wikipedia



“Ficciones”, de Jorge Luis Borges


Pocos narradores han sabido jugar con el tiempo y la fantasía como Jorge Luis Borges. Tan es así, que ha resultado, comúnmente, un autor difícil para casi todos los que se han acercado a su obra y ello ha provocado el rechazo de muchos lectores. Lo que nadie puede discutirle es su originalidad. En efecto, su forma de acercarse a la ficción es única y, probablemente, irrepetible.

Jorge Luis Borges

Jorge Luis Borges

Borges ( Buenos Aires,1.899- Ginebra, Suiza, 1.986) pertenecía a una familia acomodada, con peso específico en la historia argentina. Vivió una infancia feliz y, ya con seis años, quería ser escritor y, con ocho, redactó su primer cuento, inspirado en el “Quijote”.

Tras un periplo por Europa, residió unos años en España, donde entró en contacto con las vanguardias entonces en boga. De regreso a su país, fue uno de los introductores de aquéllas y tuvo problemas con el peronismo. Cuando éste cayó, en 1.955, se le colmó de honores, pero, al volver al poder los seguidores de Perón, fue de nuevo represaliado.

Por ello, cuando los militares los derrocaron, aplaudió la nueva junta militar, hecho que le acarrearía la enemistad de muchos colegas foráneos y que le cerraría para siempre las puertas del Premio Nóbel. En sus últimos años, recorrió el mundo dando conferencias y recibiendo homenajes.


La teoría narrativa borgeana - a pesar de que él siempre dio más importancia a la creación que a la reflexión sobre ella - se encuentra compendiada en el ensayo “El arte narrativo y la magia” (significativo título) y  el prólogo a la novela de su discípulo Bioy Casares “La invención de Morel”. Señalaremos sus concepciones básicas.

Borges muestra sus preferencias por la narrativa de aventuras y la

Edgar Allan Poe

Edgar Allan Poe

policíaca, debido a la superioridad de sus argumentos. Y es que, para él, una trama interesante es fundamental. No obstante, su concepto de ella es peculiar : es la estructura de causa-efecto de la narración, es decir, la manera de vincular de forma lúcida y coherente cada uno de sus detalles, para llegar a una solución inesperada pero fatal. Y es aquí donde lo mágico juega un papel fundamental, pues su concepción de la causalidad es mágica. Veamoslo en palabras suyas :

“Los rusos y los discípulos de los rusos han demostrado hasta el hastío que nada es imposible ; suicidas por felicidad, asesinos por benevolencia, personas que adoran hasta el punto de separarse para siempre, delatores por fervor o humildad…..Esa libertad plena acaba por equivaler al desorden. Por otra parte, la novela â€œpsicológica” quiere ser también novela “realista” : prefiere que olvidemos su carácter de artificio verbal y hace de toda vana precisión (o de toda lánguida novedad) un nuevo toque verosímil (….)

La novela de aventuras, en cambio, no se propone como una transcripción de la realidad : es un objeto artificial que no sufre ninguna parte injustificada. El temor de incurrir en la mera variedad sucesiva del “Asno de Oro”, de los siete viajes de Simbad o del “Quijote”, le impone un riguroso argumento”.

Inquietante imagen de Borges

Inquietante imagen de Borges

Por tanto, la novela que propone Borges es antipsicológica y antirrealista. Lo que él defiende es una narrativa que acepte deliberadamente su carácter estricto de ficción, de artificio verbal. Es decir, una literatura que sea literatura.

Las “Ficciones”, compendio de relatos breves publicado en 1.944, ilustra perfectamente estas teorías. Con él obtuvo el Premio de la Sociedad Argentina de Escritores, el Formentor y un sin fin de ellos más. Consta de dos partes, compuestas cada una por varios relatos. La primera lleva el título de uno de ellos, “El jardín de senderos que se bifurcan”, y la segunda el de “Artificios”.

“El jardín de senderos que se bifurcan” es un relato de corte policíaco. A esta primera parte pertenecen también “Pierre Menard, autor del “Quijote””, en el que expone la curiosa teoría de que la literatura es creación del lector y no del autor : su imaginario Pierre consigue reescribir completo el “Quijote” adaptándolo al contexto, no del siglo en que fue escrito, sino al del suyo ; las mismas palabras, los mismos conceptos, ahora significan otra cosa.

Con él, Borges demuestra que una obra no tiene sentido original, sino que cada lector, cada época y cada cultura produce otros sentidos. Pero, además, este relato es un cuento y, como tal, una divertidísima parodia de la vida literaria del siglo XX, con alusiones disparatadas contra personajes tan ilustres como Unamuno, Mallarmé y Valéry. Es este relato, en suma un excelente ejercicio intelectual.

Otros relatos de esta primera parte muestran también una genialidad singular : “El acercamiento a Almotásim” es una reseña de una inexistente novela policíaca hindú. “Examen de la obra de Herbert Quain” es un estudio de un inventado escritor inglés, del que se declara discípulo y del que dice haber tomado algunas de sus invenciones.

“La biblioteca de Babel” y “La lotería de Babilonia” juegan con el

Adolfo Bioy Casares

Adolfo Bioy Casares

concepto de la proliferación ilimitada. “Tlön, Uqbar, Orbis Tertius” narra la búsqueda de unos volúmenes de una enciclopedia apócrifa, que hace concluir al protagonista â€" el propio Borges â€" que el mundo es obra de dioses subalternos. “Las ruinas circulares” presentan a un asceta persa que incorpora a un hijo imaginario al mundo real.

En “Artificios” se incluyen otros relatos de variado género. En “La muerte y la brújula” encontramos una novela policíaca al revés, es decir, donde el asesino es más listo que el policia. En “Tema del traidor y del héroe” se desmitifican los nacionalismos a través de la política y el terrorismo. Más extraño es “Funes el memorioso”, donde un muchacho de pueblo aprende latín en una sola noche con la única ayuda de un diccionario y un volumen de Plinio. En fin, otros relatos son “La forma de la espada”, “El milagro secreto”, “Tres versiones de Judas”, “El fin”, “La secta del Fénix” y “El sur”.

En suma, concluiremos diciendo que se trata de un libro excepcional, sin desperdicio. Y es que a Borges se le puede comprender o no, pero lo que resulta indiscutible es su ingenio y su elegante cosmopolitismo, su amplia cultura que se trasluce en sus obras. Los narradores hispanoamericanos lo descubrieron en los años cincuenta y, a partir de los sesenta, alcanzaría fama internacional. El Nóbel tiene una deuda difícil de explicar con él. Claro que viendo a quién se lo dan últimamente……

Imagen Borges: Mutter Erde en Wikipedia
Imagen Poe: RedCoat en Wikipedia
Imagen Borges: Sking en Wikipedia
Imagen Casares: Abuelodelanada en Wikipedia



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Por Viejo Zorro - 9 de Mayo, 2009, 3:14, Categoría: General



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